艺术家的素描教学方法【热选10篇】

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艺术家的素描教学方法【第一篇】

xx年，导演陈凯歌的电影《梅兰芳》上映，自上映以来受到国内外电影界的好评，收获了很好的票房成绩，在国内国际电影节上取得几项大奖。

电影《梅兰芳》主要讲述了我国京剧大师梅兰芳一生的京剧道路，表现了我国那个年代的兴衰荣辱。

在影片中，梅兰芳在京剧艺术生涯中的第一个对手是他的爷爷“十三燕”，两人在一次京剧比赛中梅兰芳输给了“十三燕”，他亲眼目睹了长辈的悲剧，他努力改变传统的京剧表演方式，从此在事业上却的成功。

在梅兰芳中年时期，中国受到日本的侵略，梅兰芳也受到很多挫折和苦难，但梅兰芳坚决拒绝为日本人表演，表现了梅兰芳英勇的大无畏精神和爱国情怀。

梅兰芳这部影片没有宏大的战争场面，没有悬疑的故事情节，整部电影情节平淡，但是却受到观众的欢迎，原因就是电影中美术设计所展现出来的强烈的视觉效果，表现出了我国国粹京剧的艺术特点。

在电影艺术中，美术艺术效果对电影至关重要，它能表现出影片特有的美学效果和视觉效果。

《梅兰芳》的成功主要表现在它的电影美术艺术上，从色彩、环境、道具等多方面表现了电影的艺术特色。

二、电影《梅兰芳》的美术艺术风格。

(一)电影美术的舞台设计。

电影的舞台设计能真实形象地将电影的信息表达给观众，还能在一定程度上表达导演的创作特点和特定的社会文化。

电影舞台设计的色彩体系了剧本中情节的环境特点、时代特征，将流行和传统结合起来，使观众在视觉上感受电影的艺术魅力。

电影《梅兰芳》为了真实还原梅兰芳所生活的环境，将电影的拍摄地点设在上海，还专门借来梅兰芳的真实收藏品作道具，充分表现了当时恢弘和动荡的时代背景。

为了突出孟小冬这个人物的生活，仿照民国时期的社会背景，在怀柔专门建立了四合院、同仁堂药店等建筑，电影建筑耗资过亿。

影片中几场梅兰芳表演京剧时的`舞台布景也十分讲究，舞台设计精致大气，舞台上运用蜡烛和灯笼等进行烘托，突出了梅兰芳京剧表演的气氛。

电影美术的舞台设计是人物表现的基础，真实的场景设置为人物一生的表现奠定了重要基础。

电影《梅兰芳》将明清风格建筑的室内场景进行最大化的还原，主要表现在实木折扇门、檀木落地化妆镜、黄铜洗手盆、高背洗脸架、漆艺折扇隔断、旧式挂钟、木雕地灯、太师椅、大小木雕腿桌、雕花落地大衣柜、檀木雕长案头、金字木雕牌匾等等，形成以了棕色调为主的、旧的实木装饰质感的、沉稳私密的室内空间。

这些具有时代感的旧明清家具在色彩、质感和时代性上，将生活在当时年代的任务特征充分地表现出来。

(二)电影美术的人物塑造。

电影《梅兰芳》中许多人物的塑造体现了电影美学艺术，人物造型设计需要符合原著的人物特点。

扮演梅兰芳的演员是黎明，首先他的外形比较符合梅兰芳原型，是属于长相斯文类型的，上妆以后就得到大家的认可。

但是电影角色的还原只有外在相似是不够的，还需要内在的锻炼和生活习惯的培养。

为了还原真实的梅兰芳，黎明克服种种困难，努力学习和练习京剧艺术。

影片中的依个桥段是梅兰芳表演剧目《三堂会审》，梅兰芳为了使自己跪着的身形更加笔挺，用钉子固定自己下跪的位置，到表演结束膝盖上已经很被钉子扎伤，演员为了还原真实的场景，也用真实的钉子，使观众感受到最真实的视觉效果，使观众为梅兰芳对京剧艺术的无悔追求所感动。

扮演青年梅兰芳的演员是余少群，余少群是学越剧出身，气质上跟梅兰芳很相似，更还的塑造了人物特点。

王学圻扮演的“十三燕”更是出彩，派头和强调都十分到位。

电影开头少年梅兰芳和“十三燕”的斗戏是影片最经典的桥段之一，充分体现了人物塑造在电影中的重要作用。

(三)电影美术的色彩设计。

电影中对于色彩的应用影响着电影内涵的表达，色彩包括舞台颜色、人物妆容、服饰色彩等。

电影中的色彩象征不同的意义，可以表现人物不同的情感，如在电影中阴云密布的天气里会发生不好的事情，表现了恐惧、悲伤等情绪;浓烈的颜色表现出温暖的情景。

电影通过色彩的运用，表现出刺激的视觉效果，彰显出电影人物的情感，使观众印象深刻。

在电影《梅兰芳》的开头部分，舞台色彩运用了黑白色，这两种颜色和京剧表演中丰富多彩的颜色形成鲜明地对比，表现出了梅兰芳对京剧艺术简单、深刻的追求。

梅兰芳和“十三燕”斗戏的场景中，梅兰芳穿的红色戏服表现出了他的年轻活力;“十三燕”脸上没有洗干净的油彩表现了他在传统观念的束缚下，要带着面具面对现实的窘境。

这场斗戏是在夜晚的室内，场景的基本色调是暖色系里的棕色，运用大块白和小的亮点来点缀画面，用土黄色配合棕色，背景中的红色隐藏在阴影部分，含蓄而有张力。

影片中泛黄的木箱、照片，灰褐色的老宅院等场景表现了梅兰芳的童年记忆。

影片中士兵红色的衣服，红色的墙和大伯黑色的衣服形成鲜明对比，表现了影片中任人物复杂的思想感情。

影片中当时上海的人民衣服普遍是灰褐色的，表现了人民处在困苦的生活中，但是京剧服装鲜艳的色彩又突出在艰苦条件下人们对京剧艺术的追求和热爱。

舞台上的梅艳芳画者精致的妆容，穿着色彩艳丽的服饰，四周装饰着许多大红色蜡烛和灯笼，鲜红色的色彩基调暗示了当时梅兰芳事业处在高峰期。

写实是《梅兰芳》这部电影摄影最大的特点，电影摄影没有用任何特技和航拍，而是将现实中的场景原原本本地拍摄下来，体现了这部电影的真实性。

这部电影的摄影艺术相比陈凯歌导演之前的影片《无级》，整体画面虽没有那么丰富，但是却更真实。

《无级》中场景的色彩运用十分丰富，但是缺乏内涵，观众享受到了摄影和色彩上的视觉冲击却忽视了电影的内涵。

而《梅兰芳》这部影片在写实的摄影基础上，对场景进行了高超的精简和色彩的提炼，一切场景充分表现了人物之间复杂的情感和矛盾。

这部电影使用精心的拍摄位置、拍摄距离和镜头的身份特征。

整部电影主要以夜景为主，抓住梅兰芳的舞台观感。

影片的场景从舞台到后台，从戏院的各个位置不断转换。

当演员从舞台退场的时候，摄像就会转向舞台下方幽暗和众多的观众，这样的摄影方式使电影观众犹如置身在电影真实的场景中，感受到影片中的真实氛围。

在“十三燕”和赌徒谈判的情节中，镜头在“十三燕”和赌徒之间来回转换，使电影观众仿佛置身在情节之中。

在梅兰芳和孟小冬在舞台上对视的情节中，镜头在两人的眼神之间相互切换，梅兰芳俯视着比自己低的孟小冬，电影观众就仿佛置身在二人对视之间，也在注视着孟小冬。

在拍摄梅兰芳登上楼梯的场景时，镜头放在他的背后，使观众仿佛站在梅兰芳背后的地面上;当梅兰芳站在高处和日本人讲话时，镜头升起运用仰视，不断穿插进行面部特写和眼睛特写，使观众不仅看到梅兰芳讲话的场景，还体会到梅兰芳的内心。

影片运用了集中焦点的镜头，使观众看到的人物变得十分清晰，而周围的场景被柔化。

艺术家的素描教学方法【第二篇】

摘要：徐悲鸿教学思想的核心就是“写实主义”。主张革新、反对守旧，总结出了一套行之有效的教学方法，并对现代美术界具有重大影响。本文主要就徐悲鸿的素描教学方法进行了探讨研究。

关键词：徐悲鸿 素描 美术教育。

徐悲鸿（1895－1958）是我国现代受人尊敬的杰出画家和美术教育家，曾于1928年至1946年在南京中央大学艺术系担任教授、主任，前后在该校工作任教了之久，他的大部分教育生涯也是在中大度过。在此期间，他为美术教育和美术创作倾注了大量心血。

徐悲鸿先生特别强调素描基础的重要性，提出“素描为一切造型艺术之基础”的观点，1917就在《中央大学讲座演辞》中有：“素描在美术教育中的地位，如同建造房屋打基础一样，房屋的基础打不好，房屋就砌不成，即使勉强砌成也不牢靠，支撑不久便倒坍。因此，学美术一定要从素描入手，否则是学不成功的，即使学会了画几笔，也非驴非马、面目全非。”十年后，1926在《中华艺术大学讲座演辞》中仍然说：“研究绘画者第一步功夫即为素描，素描是每人基本之学问，并为绘画表现唯一值法门。素描拙劣在于物象都不能认识清楚，以言颜色更不知所措。故素描功夫欠缺者其所谓颜色如何美丽，实是放滥，几与无颜色等同。”这在民国时期的绘画教育上做出了重大的突破。

徐悲鸿的主要教学思想的核心就是“写实主义”，坚持以现实主义的原则指导教学。首先，强调培养学生正确的观察方法。他认为“心手相应”的熟练技巧是以眼睛的训练即观察能力的培养为始的。指出“艺术之出发点，首在精密观察一切物象，求得真正，此其首要也。”他所传授的观察方法是：“你要把看到的东西一丝不差的画出来，要把手和眼睛训练的很准确，要注意所画的东西，多看少画，看准了再下笔，手和眼要协调一致，手要能把眼看到的东西反映到画面上。……至于初学的人为什么要多看少画，因为要首先训练画家的眼睛，要在对象上看到更多的美。”接着就是从石膏造型和人体模特画起，所采用的石膏模型大都是希腊、罗马文艺复兴时期名家经典之作，西方人体五官明显，相比东方的人体头像更便于让学生掌握形体黑白层次和调子的变化。石膏素描教室很大，在工字楼内底层容纳了100多件石膏模型，有些是在西洋艺术史上的著名雕塑，如阿波罗、奴隶、维纳斯坐像、摩西全身坐像等，都是徐悲鸿从国外专船运回的。

写实主义是徐悲鸿根据当时的中国画的弊端而提出的，认为即使是文人画，也要注重形体的准确性，而不能一笔概之。作为中国绘画教育的领航者，徐悲鸿将学生都带领到了世界绘画的高度上，使中国绘画与世界绘画走到一起。素描的的主要作用是锻炼准确的造型能力，这在中国画中也是必需的。打破了传统文人画的虚的概括的特点。

徐悲鸿不仅在西画课上大力提倡素描的学习，在中国画课中也大力提倡素描，他以木炭素描为造型基础课，素描写生的对象是人；在三年的素描训练之后，进入国画的分科学习阶段，他的国画教法与传统的区别是改画谱素描为素描写生入门，在学生掌握一定写实技能后，再以老师的亲身示范教授国画的笔墨技法。在他的教学中，国画的作画步骤一般是先用木炭条勾好底稿，即准确地刻画好对象的形体，然后用毛笔上墨。上墨的原则是以明暗黑白体现对象的结构和透视，墨本画好后再上色，上色的用笔与画写实油画一样，也以体现对象的立体感为准则。他格外重视素描对国画的作用，此方法作为对中国画改良的一个突破口，进而使后期的中国画改良得以成功。同时徐悲鸿也从中国画的学习中吸取营养，改进在素描上的教学，徐悲鸿也讲究中国传统绘画线条中的圆、重、平、变、留等笔法变化。针对素描人体的写生，他还制定了“新七法”，以“新七法”为具体的教学法则教学生绘画。使素描更有本土性，更便于学生掌握与改进。

徐悲鸿先生的教育活动及思想对现代美术具有重大的影响，使中国美术届得到迅速发展，摆脱了明清颓败的一面。现代美术界所呈现的大好局面，正是得益于徐先生重写实重基础的美术教育思想，他拓展了现代美术的形态。若没有徐悲鸿的写实主义观点手法和艺术教育体现，中国新当代绘画史会被大大改写，而一大批新当代杰出的中国人物画，山水画画家能否有今日之成就也便值得推敲。

注释：

[2]卢开祥求室学画记,徐悲鸿.[m]文史资料出版社.1983.第202页。

[3]艾中信徐悲鸿研究[m].上海：上海人民美术出版社，。

[5]王泽庆《徐悲鸿评传》[m].北京：人民美术出版社出版。

[6]书与画[j].1994年，第6期。

[7]徐悲鸿奔腾尺幅间[a]天津：百花文艺出版社 ,1。

艺术家的素描教学方法【第三篇】

良好的文化艺术素质是中小学美术教师进行美术教育教学和实践活动的必要条件，是促进美术教育教学发展的基石。在一个完整的知识结构体系中，教师文化艺术素质的提升，关键在于发展自我思想意识与情感意识，不断通过自我学习，以多种学习方式完善自己，培养自我发展的能力。所以，粤东中小学美术教师可以通过美协活动、美术基本功的学习交流、继续教育、进修学习等多种方式提升自己的文化艺术素质。粤东中小学美术教师认为需要提升的文化艺术素质见表2。从表2中可以看出，粤东中小学美术教师能认识到各方面素质完善的重要性，并意识到通过完善知识结构和提升业务能力可以提高自身的文化艺术素质，但他们还是偏重于专业学科技能方面的素质完善，而对其他学科知识认识和了解较少。其实，粤东中小学美术教师应该在一个更广阔的文化情境中认识美术的本质要义，而不仅仅在教学中进行片面的知识传授和简单的技能说教。粤东中小学美术教师的文化艺术素养决定美术教学质量，影响学生的身心发展。粤东中小学美术教师需要提升的文化素养有：潮汕传统民间艺术素养、学科教学技能、教学设计能力、组织交流能力等。粤东中小学美术教师具备合理的潮汕传统民间艺术素质结构，是粤东中小学美术教师追求自我完善与自我奋斗的基础，是粤东中小学美术教师顺利开展美术课程教学的保障，能为培养学生的情感态度和思维认知能力提供更多的维度和可能性。粤东中小学美术教师应注重引导学生参与文化的传承和交流，注重全面发展学生的感知能力和形象思维能力，注重学生个性的形成和整体素质的完善，造就适应新时代的创新型人才。为此，在美术教学过程中，粤东中小学美术教师必须采取灵活多样的教学方式，采用启发和探究的方式引导学生学习美术知识。新时代美术课程的设置对美术教师文化艺术素质的要求更高，要求美术教师不断关注美术学科的发展动向，掌握美术教育改革动向。粤东中小学美术教师潮汕传统民间文化艺术素质的提升是一个循序渐进的自我完善过程，不可急功近利。粤东中小学美术教师一方面要养成良好的学习习惯。细节来自好的习惯，日积月累的文化知识学习可以增长智慧，丰富内涵修养。学习传统文化知识，有利于形成一种高效的认知结构和思维方式。粤东中小学美术教师另一方面需要深入民间生活，多接受传统美术方面及其他学科方面的新信息，多参加学术性的交流活动，如美术教学活动、美术采风活动、民间艺人交流活动等，形成一种善于反思、批判和研究的思想行为方式，在交流学习活动中拓展艺术视野，激发创造意识，健全自我人格魅力，展现出紧跟时代的优秀美术教师风采。

二、提高粤东中小学美术教师的组织能力和教学能力。

古语有云：“师者，传道授业解惑者也。”毋庸置疑，教师的职责在于育人，教学是教师实现育人的组织和策划手段，教师如何更好地运用有效的教学活动，对于培养人才质量起着关键性的作用。正所谓“名师出高徒”“教师应该思考任何一种教学活动给学生所能带来的效益，如果不考虑效益，教学就会变得盲目而无意义”。美术学科的教学是一种注重激发学生审美情感与创造精神的教学活动，目的是培养学生的人文修养和高尚的审美情操。发展美术教育事业，归根到底还是要依靠具有较强组织能力和教学能力的美术教师队伍。因此，重视提高粤东中小学美术教师的组织能力和教学能力是美术教育前进的动力。粤东中小学美术教师必须具备的组织能力包括：美术竞赛组织能力、课堂教学组织能力、业余培训组织能力等，而粤东中小学美术教师需要提高的教学能力包括：多媒体教学与制作能力、教学语言表达能力、运用教材教法的能力、制订教学计划能力、组织教学能力、教学示范能力、教学应变能力等。粤东中小学美术教师只有掌握这些能力，才能更好地提高潮汕传统民间文化艺术素质，引领美术学科的发展动向，整合教学资源，发挥网络资源优势，选择、调整教学内容和教学方式，建立学科领域的资源数据库，创造更大的美术教学空间。

三、结语。

粤东中小学美术教师提高潮汕传统民间文化艺术素质需要有恒心和信心，以主动和积极的学习态度提高自己的潮汕传统民间文化艺术素质，让自己的教育观念和思维理念与时俱进，建立完善的素质结构，逐步培养出独特的人格魅力和思辨能力，追求高品格、高层次的美术教育平台。此外，学校从广度上既要注重对粤东中小学美术教师的培育，为其创造多样化的深造学习方式，又要有效地激励中小学美术教师对美术教育有满腔的热情，对学生有深情的爱心。粤东中小学美术教师只有拥有完善的文化素质结构，才能培养出更多具有较高文化素养的学生，为美术教育做出独特的贡献。

艺术家的素描教学方法【第四篇】

众所周知，随着新课改的进一步推进，我国的美术教育更加强调了中国特色、时代特征以及国际视野。而在美术教育中，素描作为艺术造型的基础，越来越受到重视。一线教师都知道要学好素描，就要培养学生的观察能力、造型能力和表现能力。在素描教学中，每一位教师应该运用多种教学方法和艺术，激励学生积极参与到学习中来，使他们在各自的基础上获得不同程度的发展。伟大的教育家第斯多惠曾说：“我以教学为艺术，不在于传授知识的要领，而在于激励、唤醒。”在教学中，教师要把学生放在课堂的正中央，运用灵活多样的教学方法，唤醒孩子们的艺术灵感，激励他们在素描的艺术长河中徜徉，促使每一个孩子的奔跑都更有颜色。多年来，我致力于中小学的素描教学，通过不断的研究和探索，积累了丰富的教学经验，关于中小学素描教学的方法和艺术，取得些许收获，以供参考：

一、激发学生的兴趣，情境导入是关键。

中小学生初学素描，大多会感受到枯燥、难学，短时间没有效果，渐渐失去耐心和坚持的决心，往往容易半途而废。爱因斯坦曾说:“兴趣是最好的老师”，在中小学素描教学中至关重要的是激发学生的学习兴趣，而导入语就要紧紧抓住学生的心，要用具有趣味性和新颖的方法直击他们的心灵，碰撞他们艺术的火花和灵性。比如在教学《会变的线条》这课的时候，上课伊始，我直接用多媒体融入到导入中，通过多媒体中的动画小乌龟的爬行路径，引导学生观察：首先设置小乌龟直线爬行路径；然后让它以多变的曲线路径慢慢爬行；第三次又让小乌龟折腾出折线；第四次我让可爱的小乌龟以螺旋形爬行。多媒体下乌龟的憨态可掬，灵活多变的爬行路径呈现出来的多变的线条，一下子吸引了所有的学生，我激励他们试试画一画自己喜欢的和能画出来的线条，和小乌龟的比一比，通过亲自体验画多变的线条，初步感知素描。然后激发他们寻找生活中见到的能够体现线条的物体有哪些？学生们一下子想到了北京的鸟巢，错综复杂的线条灵活多变；有的学生说到了有众多线条的立交桥；还有的想到了道路上的斑马线......这个时候激趣的火候恰到好处，我话锋一转，告诉他们美术中的素描，就可以画出生活中这些多变而又充满魅力的线条，大家学习的兴趣自然高涨，整节课都陶醉在艺术的美感中。

二、激发学生的学习兴趣，必须在课程上灵活安排，更有利于促进学生的个性发展。

素描教学中最多的学具就应该是石膏几何体，围绕石膏几何体开展学习素描确实是教学的基础，但是没有生命，静态的石膏几何体太过于单调，渐渐会泯灭学生的艺术灵性和激情，所以教师要整合教学内容，把教材中必学的和生活中他们感兴趣的东西灵活安排，这样有利于促进学生个性发展，保持对素描的兴趣和激情。比如，我在教学中就激励学生用眼睛发现生活中的素描素材，他们凭借自己的兴趣爱好，会发现诸多素描素材：有的学生喜欢妈妈的手机、有的爱上了妈妈的化妆品、有的画家里的宠物狗、自己的玩具、同伴的可爱脸庞......教室里面棱角分明的石膏几何体和生活中鲜活的物体恰当结合，都可以成为他们笔下的作品，但是生活中的物品在素描过程中，教师要引领学生透彻分析如何用线条描绘出来，怎么表现才能使得物体鲜活、生动。在课上，教师要在学生初稿的基础上教会学生如何修改，在理论知识的支撑下教给学生不断调整、优化的方法和艺术，使得他们的作品线条更加细腻、流畅、优美。我在教学中非常注重引导学生对于轮廓的准确性和整体构图能力的培养，尤其注重引导学生对于点、线、面、影调与黑、白、灰的处理与协调。教学中，理论和实践相结合下，素描由浅入深、由表及里、由简到繁、循序渐进的稳扎稳打的进行训练，不断培养学生对物象的认识能力、观察能力、表现能力以及审美能力。

三、激发学生的学习兴趣，必须给学生设计写生任务，不断激励他们的创作欲望。

激发学生的学习兴趣，需要循序渐进的给予他们新的任务，激励他们不断体验，享受成功。在学生初步掌握了素描的基本知识和技能后，教师就要逐步引学生脱离临摹，带领他们到户外去采风，通过写生提高素描技能，不断激励他们的创作欲望。在培养学生素描能力的同时，要兼顾激发学生积极、大胆的表现。在写生的过程中，教师要让学生用作品表现出艺术性、思想性，体现出作者的想象力，这样的作品才有生命力，有灵性，有创新性。在带领学生进行《四季的色彩》学习的时候，我让学生以春为题，到户外写生，用眼睛捕捉春的气息，用笔下的线条表现出春的丰满。这次的写生，学生敢于大胆创作，通过远、近、中景物的描绘，用素描的线条美把他们眼中不同的春表现得淋漓尽致。

四、激发学生的学习兴趣，要有多样化的评价机制保驾护航。

美术课堂上，多听到老师评价学生作品的时候用得最多的词汇是“像”或者“不像”，这样的评价语会使学生丧失素描兴趣。课程改革不断深化下的素描课堂应该用丰富多样化的评价保持课堂的鲜活，激励学生享受成果。比如在《四季的色彩》一课，我采取的评价态势不是像不像，而是看学生捕捉到的是否有春的气息，春的生机；评价他们的线条处理是否流畅，构图是否合理；评价他们的技法是否更加成熟，作品是否更加完美等等。整堂课我的评价是在激励的基调上多角度，多层次的，这样的评价语言鲜活，激励为主，指出不足，助其修改，以此激发学习兴趣。总之，随着新课改的推进，教师要重视美术中的素描教学。为了增强素描教学效果，教师要从学生兴趣入手，优化素描教学方法，融入一定的教学艺术，使学生感受到素描的魅力，激发他们爱上素描，从而更快的学好素描。

艺术家的素描教学方法【第五篇】

摘要：随着时代的发展，设计类专业对学生的创新性思维要求变得越来越高，而创新性思维，也是广告设计专业学生获得良好发展的前提，本文从打破传统思维、注重观察力培养、加强发散性思维训练、开发想象空间等方面进行高校广告设计教学方法的改进，以期培养出适应社会发展需要的新时期广告设计人才。

关键词：广告设计；创新思维；培养方法。

当前，随着社会的进步，我国对高校广告设计专业的学生要求越来越高，社会上岗位与专业之间的对接需求也越来越强烈，这个时期对创新思维人才的需求绝不低于任何一个时期，然而我国长期以来的应试教育体制，以灌输、填鸭式教学为主，阻碍了学生创新思维能力的发展，因此，本文就高校广告设计教学中对学生创新性思维能力培养的方法展开相关探析，以期培养高校学生的创新性思维能力，为我国的广告设计事业做贡献。

一、创新性思维概述。

思维是人类认识世界、改造世界的复杂精神活动，创新性思维是指打破固有思维，在陈旧思维基础上对对象进行创新思考，从而取得富有创造性的意见或方案的思维模式。创新性思维第一在“创”字，体现其独创性，创新思维不受传统惯性禁锢，思维超常规，在平时的学习过程中，学生有自己的见解、观点，敢怀疑、爱挑剔；创新思维第二在“新”字，体现其求异性，创新思维标新立异，出奇制胜，出奇制胜，学生在学习过程中，敢于挑战长期以来形成的思想，在解题时，谋求多重解法；创新思维第三在联想性，在面对某一情境时,思维向纵深方向发展，能够从正反两方面思考，这实质上是一种由此及彼、由表及里、举一反三、融会贯通的思维的连贯性和发散性；[1]创新思维第四在灵活性，思维突破定向的、系统的模式的束缚，学生在思考问题，制作设计时，不拘泥于书本所学的、老师所教的,遇到具体问题灵活多变,活学活用活化；创新思维第五在综合性，学生的思维调节能在诸多的信息中进行概括、整理,把抽象内容具体化,繁杂内容简单化。

二、培养创新性思维的方法。

1、培养观察能力观察能力是人们全面深入观察事物的能力，观察能力越强，所获得的信息越多，由此而产生的想法也会越多，人的观察能力并非与生俱来的，可以在后天的训练中得到提高，这个例子很简单，就比如大家在玩找茬游戏时，刚开始会很难看出差别，玩多了之后，就很容易找到不同点，这就是在大量的观察力锻炼后的结果，因此高校广告设计专业的教师在教学活动中要注重对学生观察能力的培养，比如，在让学生设计同一款香水的广告时，让学生从这瓶香水的不同角度分别进行设计，通过这瓶香水，学生可以从香水的香型方面进行广告设计，也可以从其香水容器造型上进行设计，可以从企业文化、受众群体、原料提取等等各个方面进行这款香水的广告设计，教师在分享的“艺术家的素描教学方法【热选10篇】”，优选出最具创造性思维的设计稿，并计入学期末的成绩评定中，来鼓励学生多多观察，多多思考。2、训练发散思维发散性思维能有效活跃学生的思绪，让学生在碰到问题时能迅速反应，并且其作出的反应都具有创造性，为了训练高校学生的创新性思维，教师在平时的教学活动中，就应该运用创新型的教学策略，灵活展现课堂内容，例如，以一个小小的曲别针来锻炼学生的发散性思维，[2]记得在1987年我国在广西南宁市召开过一个“创造学会”的学术研讨会，当时在研讨会中讨论了曲别针的用途，如果进行发散思维的.考量，一枚小小的曲别针将会有几千几万种用途，我们也可以以此种类似的方法来锻炼学生的发散思维，让学生打开思维的大门，从物体的各个方面展开思考，就像一枚小小的曲别针一样，得到成千上万的用法，以期得到独具风格的点子。此外，教师要鼓励学生广泛阅读，涉猎广泛有助于拓宽学生的眼界，为发散性思维打好基础。3、注入情感因素人有情感，如果可以将情感注入到设计中，那么设计就会充满生命力，当前大部分学生的设计都采取客观、理性、保守的设计方法，但是，不管是天马行空的、还是中规中矩的，都是设计者思维的体现，都包含设计者的感性思维和情感体验，因此，在平时的教学活动中，教师要善于调动学生的情感因素，让学生能够将情感融洽的注入到设计中，而不是牵强附会，例如，sony相机的广告设计，外形是一个多层蛋糕，上面贴满了五颜六色的照片，意指摄下生命的足迹，从呱呱坠地到暮年光景，sony相机使你的生命历程永不随岁月而消逝，这种设计体现出了相机的功能本质，也抓住了人们想要留住青春年华的心理。

三、结语。

高校广告设计专业的教师要勇于打破传统思维壁垒，运用创新的教学方法培养学生的创新思维，提高学生的广告设计水平，为其适应社会发展需要做好铺垫，为广告设计培养有创新精神和创新能力的应用型人才，为社会各行各业输送创新型人才。

参考文献。

[1]白锦莲.“解析与重构”的创新思维培养——广告设计专业《设计素描》课程教学探究[j].福建商业高等专科学校学报,,(3).

[2]王晓红.新媒体时代的平面广告设计专业发展研究[j].青春岁月,2014,(16).

艺术家的素描教学方法【第六篇】

素描是美术专业的基础课程,在高等院校相关美术专业中也是较有分量的基础必修课。基础素描和绘画创作有着必然的联系,又有诸多不同。一直以来,基础素面的教学都以严格的素描法则和严谨的作画过程要求学习者遵循,尤其以写实和精微素描来衡量学生的学习水平。本文将从造型意识和造型观念入手,运用更多的综合表现手法,在教学中鼓励学生自觉完成对素描感官的认识和发掘素描审美认识。

基础素描;素描审美;造型方法

素描是绘画艺术的基础,有着无可超越的地位,基础素描教学也是众多院校相关专业的必修基础课,素描绘画涵盖的题材极其广泛,从静物、石膏到人体绘画,从风景到建筑,处处都能体现对造型的要求和审美的能力。对于学习素描的学生来说,在造型技巧中学习审美,同时在审美过程中提高自身的造型技艺。素描既可以作为独立的艺术形式存在,同时也是学习绘画,解决众多问题的必经之路,素描需要解决的问题几乎包罗绘画中的全部,形体结构、比例关系、透视关系、解剖结构、点线面的应用、黑白灰层次、空间塑造等。

长久以来,学习素描都是以写实为开始,要求学生尽可能的客观描写写生对象,构图之后比例关系是第一个步骤,不管静物还是石膏像,亦或是风景,比例透视关系是首要解决问题,只有在大的框架内抓住对象的基本比例和透视关系,接下来的形体塑造才具有写实意义。绘画过程是一个艰巨的过程,是自主能动性得到发挥的过程。手脑眼并用,抓住对象的内在关联,各素描关系的合理统一是需要整体和局部观察、刻画相交替的,既需要遵循客观对象,又需要在现实中去提炼。所以,观察是绘画的前提,学习绘画也是重构观察方法的过程。绘画形式因人而异,观察方法跟艺术家的创作也有先天的联系。敏锐的观察力是深入绘画的一个重要能力。高校素描基础课的侧重点理应放在培养学生观察力上。素描的学习不能是技艺的不停重复。重复性训练最后出来的只是有着扎实技艺的匠才。学生的观察力也是学生总体能力的一个反应,任何艺术形式的实践都需要跟理论知识相结合,这种结合是内在的积累。比如,除了素描相关的课程以外,美术史论,美术批评理论,设计学,哲学等课程都是很好的培养学生认识对象、观察对象的途径。

在高校中基础素描解决的一般是造型写实问题,这个是最低层次的要求。艺术设计专业学习素描的目的不是为了客观还原对象,而是能够更好的创造“对象”,绘画专业学习素描是尽可能从主观中去理解和认识对象。这种创造、理解或认识的目的都是去延伸自身对艺术的感悟,这是更高一个层次的造型艺术。每一个人对艺术的理解都是不同的,在艺术领域去追求和毕生挖掘的都是这种“另类”,所以在基础素描中,也不能用同一个标准去衡量素描绘画。启发式、,逆向思维、或是延展性教学都是应该加强和实践的方向。素描既能作为一个独立的艺术体系存在,也是加强各艺术形式之间联系的纽带。在艺术院校里不乏基础较好,技艺强的学生,但是对于创作缺乏与之匹配的能力,这也是院校教学的一种失败,建立完善的素描教学体系不单单是看学生能够客观的描绘出什么,更应该关注学生在看的时候能够想到什么,这既能让学生结合本专业的特点进行创作,也能打破学生对于素描绘画狭隘的简单认知。艺术主张和艺术理解需要教师去引导,通过学生对自己的绘画意识的培养逐渐到艺术主张的培养,并能够不断的更新已知的思维观念,通过观察,用心去感受作品的内在。

素描教学需要系统、严谨、完整的过程,讲究循序渐进和正确的观察及作画习惯,新生入学带来考前班的素描绘画习惯,极其讲究方法而不是所谓的“观察”。一个地方或是一个考前班出来的学生几乎统一的作画工具,统一的画风,统一的作画步骤和方法。这已经脱离了绘画中对“观察“的要求,不管是静物还是石膏又或是人物写生,打轮廓都是切直线,铺大调子都是一遍遍的画颜色,画面中心或是近的区域必然是重点塑造的亮点。这明显已经进入到素描的“套路“中来了。基础素描绘画讲究的是结构及体块关系的表达,以这个目标为中心,不要求线条排的多美,画面多么千净。基础素描的要求说来不高,无非是解决轮廓、形体与结构、明暗关系以及空间的塑造。通过绘画者的观察,把实际的对象搬到画面上来,这个过程重点考虑的是“观察”的问题。以人物写生为例,每个人都千差万别,去抄表面的光影或是黑白,无法画出紧凑、质感、立体的人物形象,缺少精神气。观察要建立在良好的解剖知识下,才能更加主动的把客观对象变为具有一定个人审美的绘画作品。另外,画的像不像的问题是初学者以及大众作为衡量好不好的一个重要指标。个人认为画的像不像只是绘画过程的一个附属“产品”,遵循和掌握以上造型能力,画的像就会必然产生。其实通过大师的.作品我们也能发现其中的解剖也不尽准确,但是这并不会影响作品的美感,相反,还能增加作品的视觉冲击力。德加“素描画的不是形体,而是形体的观察”。这也从而证实,素描其实就是发现的行为,准确也只是感觉上的准,而不是客观的准。在素描教学过程中,需要引导学生并不是简单的描出外形;素描不是单单由轮廓组成。画素描,更多的是思考和理解的过程,同时也需要时常停下来,否则很容易过犹不及。刚刚进入校园的新生,对绘画的套路都很熟悉,可能身边的应试高手是他们崇拜的偶像,但是问及德加、安格尔、丢勒,了解的也许就不多了。大师经典的作品是我们学习的源泉,临摹其作品是学习的的门槛,大师的作品超越了所有的时代。

素描既是相对独立又是融入到各类艺术范畴中的艺术形式,其带有的艺术表现语言及方式也是通过绘画方式及媒介表现出来的。画面形式语言的研究和训练在高校的基础教学中也是应当被重视和培养的。通常面对写实绘画,画者更多的是关注物体本身,很容易造成画面局部的割裂,整个画面的构成关系应当是和谐且统一的。素描是一种用单色或少量色彩绘画材料描绘生活所见真实事物或所感的绘画形式,其使用材料有千性与湿性两大类,其中干性材料有铅笔、炭笔、粉笔、粉彩笔、蜡笔、炭精笔、银笔等,而湿性材料有水墨、钢笔、签字笔、苇笔、副笔、竹笔、圆珠笔等,习惯上素描是以单色画为主。尝试众多的表现方式,运用更多的媒介进行素描创作往往会有意想不到的收货。即使是在同一主题下进行创作,利用不同的工具、材料、媒介来表现也会有很大的变化。即使是同样的材料,在不同的机理效果下传达出的质感差异也会很大,这就给素描提供了很大的施展空间和舞台。素描的绘画空间被扩大,表现语言相对也得到了扩大。研究各个时期的素描,研究不同材料带来的质感各机理效果,打破习惯性思维找到适合自己的表现方式和语言方式,同时通过此来技法和提高创造空间。

[2]于振平.《造型各专业基础素描教学中的问题及思考》湖北美术学院学报,2009(1).

艺术家的素描教学方法【第七篇】

造型和形象是艺术设计的第一大特征，而中国民间丰富的艺术造型是非常值得现代艺术设计借鉴的，由于民间美术造型讲求视觉独立性，其独特性体现在其取材和造型体系不仅仅来源于单纯的自然取法，而是在其基础上，充分发挥主观想象力和创造力，是一种自由而又随意的创作过程，作者通过作品将其观念暗寓其中。现代艺术在造型上可以充分借鉴民间美术的造型。首先，在设计思想上，应充分借鉴民间美术“不拘一格“的造型风格，生活中的点点滴滴都可能是创作灵感的源泉，再通过主观的审美进行二次创造，使民间美术融入现代艺术设计中，形成独特的风格。其次，在造型的取材上，可以借鉴民间美术的造型意象，为冷硬的现代艺术设计增添些许生活气息和人文情怀。

色彩运用启示：配色鲜艳。

色彩是艺术设计的精髓所在，现代艺术设计在色彩上也要借鉴民间美术色彩的精髓之处。民间美术源于民间生活，民间生活随着时间的变迁形成了具有民族特征的色彩，例如我国的年画、剪纸、皮影、木偶、脸谱刺绣等都呈现出色彩丰富的文化底蕴。中国的五色观源于传统的五行观念，将“东、西、南、北、中“的空间观念搭配五种色彩，形成东方主青色，西方主白色，南方主赤色，北方主黑色，中央主黄色的独特五行色彩组合。其次，中国传统的文化观念将“吉祥如意”也延伸到了色彩中，以“红红绿绿”来体现吉祥如意，譬如节假日的年画，对联等，都以红色作为主色调，突出节日的红火热闹。这种将风俗愿景与艺术形式相结合的方式，不仅能感受到节日的喜庆吉祥，更能体味浓郁的艺术气息。

创作观念启示：保留民族性。

在创作观念上，现代艺术设计可以充分利用民间美术精神的理念，民间美术的审美性、民俗性和实用性都能体现民间美术的民族性，俗话说，越是民族的越是世界的，艺术也是如此。民间美术用各种意象的方式来展现浓郁的民族情结，同时展现了中国历史丰富的文化内涵。同时，民间美术又以独特的审美性和民俗性形成了独特的艺术性，并且深刻影响着现代艺术设计，无论是在造型设计、色彩运用还是在创作理念上，都为现代艺术设计找到了创作的灵感源泉，推动者中国现代艺术设计的发展。

艺术家的素描教学方法【第八篇】

针对高考美术生的美术辅导教学一定要针对性强，教师要能够抓住最后的这个冲刺阶段，尽可能地给学生知识体系和创作技法上进行查漏补缺，让学生的能力有提升的空间。素描在高考美术中占据非常重要的地位，素描对于技法和能力的要求也比较高。不少美术生在素描能力上都还有较大的提升空间，教师可以在高考冲刺阶段给予学生更多有效的辅导与点拨，让学生从绘画技巧上和应试能力上都有所提升。

素描看似简单，但是对学生的审美能力和创作能力都有较高要求。在进行素描创作时首先需要学生有一定的视野，要能够从整体层面进行作画，这样呈现出来的作品才会更有感染力。素描作品创作能力的具备其实对学生的很多能力都有要求，学生不仅要有基本的绘画功底，还需要有良好的构图和画面的布局能力，这样才能够让整幅画作饱满充实。在高考美术辅导教学中，教师对一些核心能力和素养要加以强调，首先要让学生的创作视野得到拓宽，让学生具备更加敏锐与细致的观察能力，并且可以将这些反映到自己的作品中。教师可以利用典型作品的创作来对于观察方法加以说明，以这种直观的形式让学生的观察视角得到有效构建，并且更正学生在作画时的一些不良习惯。这对学生创作水平的提升起到的帮助会非常明显。在进行素描绘画时，观察是作品创作的开端，这也是学生能够对整个画面进行合理布局的基础。教师要让学生能够一眼看到整个对象，而不是将视点焦聚对准整个对象的某一部分，就好像是在看着整个对象想心事发呆一样，而对各个局部的细节视而不见。这些问题在学生创作时十分普遍，也是素描指导时一定要让学生改变的创作习惯。因为不能将视点焦聚对准整个对象的某一局部，所以视觉只能得到一个似乎清楚又模糊的整体印象，这种印象也恰好是我们所要求的`整体感觉。而在这种整体感觉中，我们可以比较容易地全面感受到对象的基本形态特征、动态与神态气势、比例、结构及体会明暗深浅对比和虚实关系。仔细观察画面，在头脑中设计构图，这是素描创作的一个基础，在进行教学指导时只有拓宽学生的创作视野，这样才能够让学生的作品质量更高。

由于色彩上的单一构成，整个素描画作能否带给人以吸引力和冲击力，构图是一个重要决定因素。构图能力是对学生创作水平提出的较高要求，学生如果能够有效构图，画作的质量会有本质上的提升。即使临近高考，但是很多美术生在素描作品中的构图能力还是不够理想，因此，教师在进行教学辅导时对学生的这方面能力一定要有所加强。构图能力的形成除了前期大量的绘画基本技能的培训外，让学生在这个最后关头掌握一些构图中的实用技巧也很重要。因此，教师在进行绘画指导时可以从两个方面出发，要最大程度利用最后的宝贵时间。一方面，对于基础能力培养中的一些核心素质，教师可以进行强调，这些基础知识还是需要学生有较好掌握。另一方面，可以在一些灵活的构图技能上对学生加以辅导，让学生具备更好的临场发挥能力。教师要让学生明白，在素描创作中由于形体自身体面起伏而不同，各自转折的边缘线也就会随之产生不同的清晰虚实转折线，比如我们对简单的几何形体中的圆球和正方体的轮廓线进行观察就会发现这种不同的变化。既然简单的形体都是这样，更何况形体变化复杂的结构呢？打轮廓的时候我们应按照从整体到局部的方法，根据整体观察时得到的具体感受，在画纸上多采用比较长的低括直线来轻轻地画出对象大的基本形特征。这是构图的一种基本方法与理念，如果能够在构图上比较出色，整幅作品的感染力才会更强。

作为最后冲刺阶段的美术辅导课程，再来大篇幅地给学生讲基础知识或者创作手法显然不实际，教师要能够最大化地利用这个最后的时机，找到合理的教学辅导切入点来提升学生的作品创作水平。给学生讲一些实用素描的创作技法是一个很好的选择，这会给学生临场作画以非常实用的指导，能够给学生画作水平的提升带来很明显的帮助。教师可以结合学生现有的能力水平来进行指导，将那些真正能够发挥效用的创作技法传授给学生，并且结合学生现有的能力进行有针对性的查缺补漏。一般来说，素描创作常用到的有两种激发，一种是作品实物对比法。将作品与实物对比，感觉一下所画的对象，但一定要记住是看到画面的整体，而不是画面中对象的某一细节。这种方法在很多素描中都会用到，教师可以带领学生回顾这一技法，尤其是要回顾利用这种方法进行作品创作的一般模式。另一个则是作品感觉对比法。初学素描的学生在打轮廓时虽然应该主要依靠感觉来进行观察比较，着重加强对眼力的训练，使它能比尺子或两脚规更准确地判定距离，但有时也需要借助手中的铅笔来进行形的确定和校正检查工作。这种技法可以利用一些工具作为辅助，在临场作画时应用较为广泛。在高考辅导阶段加强对作画技法的教学，是一种非常实用的教学方法，尤其是对那些作画能力并不是太强的学生而言，可以帮助他们更好地应对考试，在高考中有更好的表现与发挥。

艺术家的素描教学方法【第九篇】

建筑美术素描是一门深奥的学问，也是一门考验学生基本功底的课程。教师如果过分强调聚合思维的训练，会在一定程度上影响学生创造力的培养和发挥。建筑美术素描要求创作者在写实基础上，理解建筑本身所要表达的意境，更完整地体现建筑的创意和思想，并逐步形成自己的思路特点。笔者对建筑美术素描教学方法有如下几点认识：

一、提升学习兴趣，培养自主性。

其一，结合学生的特点，实行良好的兴趣培养。世界上没有两片完全相同的叶子，学生也各有不同，他们在不同的环境下成长，各自会形成不同的人生观和价值观。因此，尽管教师对每位学生都完全同等看待、同等教育，但学生的最终学习效果肯定是有差异的。教师先了解学生的性格特点再进行教学，往往能取得更好的教学效果。在了解学生的特点之后，教师要结合教学大纲制订教学方案，才能引起学生的学习兴趣，更好地进行教学。只有学生将教师所教知识学进去了才算有效，不论教授的知识多么有用、多么重要，学生如果没学进去，一切都是空谈。在教学课堂中合理穿插一些关于各国建筑方面的奇闻，更有助于提升学生的学习兴趣，增加课堂的互动程度。研究表明，在人类形成愉悦和好奇的情绪之后，就能更好地进行深入学习。培养学习兴趣就是增强学生的好奇心，引导学生学习。学生以一种愉悦和放松的心态对待建筑美术素描，其对于课堂内容的吸收率和对教师教学方案的配合度都会显著提高。

其二，以兴趣为基础，合理培养学习的自主性。学生形成良好的学习兴趣并不是最终目的。兴趣是逐渐培养起来的，也就有可能逐渐消失，人的一生很漫长，什么事情都有可能发生，也许现在还十分感兴趣且擅长的.东西，多年以后可能会忘记甚至排斥。所以，教师要提倡持续性学习的观念，引导学生进行持续性学习，也就是提高学生主动学习的自主性。学习是一个从不懂到慢慢深入直至最终了解的过程，素描学习也是如此，需要花费大量的时间进行重复的练习。如果学生已经培养出学习兴趣，其对于学习建筑美术素描就不会排斥，再通过教师合理的引导，将极大地促进学生的自主性学习。如，多讲述一些名人的经历，告诉学生这些名人都是经过不断学习才取得了较大的成就，让学生明白只有刻苦和努力才能更接近成功，从而让学生深入认识自主性学习建筑美术素描的重要性，更好地提高学生的自主性学习能力，这对于学生今后的人生发展十分有益。

二、结合实践，严谨教学。

其一，建筑美术素描一定要建立在写实的基础上。美术分为很多流派，其中抽象画派更为注重的是一种思想和情感的表达，其作品能与消费者进行一种精神上的交流，对于写实不会有太严格的要求。但建筑美术素描不一样，从素描的“素”就可以看出，素描其实相对而言是单调且枯燥的，素描作品所呈现出来的也只有简单的黑白灰，其更多地体现了一种写实的风格。建筑是真实存在的，经历了岁月的流逝，饱经沧桑。不论是新建筑还是老建筑，都是设计者向世人表达自己思想的载体。所以，每一位建筑设计师只有以事实为基准，才能在建筑美术素描作品中更为完善、贴切地将自己的思路和构想表达出来。

其二，结合实践，学生最终形成自己独有的思路特点。每一座建筑都是设计师的思想表达，但前人的思路和模式终归已经成为过去式，经典是用来学习和借鉴的，绝不是完全复制。因此，学生逐渐形成自己的思路特点才是最终目的。但前提是能够良好地理解前人的思想和理念，这就涉及素描蓝本的问题。由于单一的建筑美术素描图片是二维的平面，并不能让学生较好地了解一座建筑所表达出来的信息，在一定条件的支持下，教师组织的实地写生之旅能更好地促进学生对于建筑的理解。首先，实地观察建筑和观察建筑平面图片的效果相差很大，前者是一种更具体、距离更近的了解，能够接触墙面，甚至能感受到设计者留下的气息及其建筑思想。其次，学生进行实地建筑美术素描训练，能从各个角度更好地借鉴前人的经验。学生真正理解和掌握了前人的经验，再加上勤奋的练习，才能更好地形成自己的思路特点。

结语。

建筑美术素描其实并不是一门很好掌握的学问，其练习繁琐、枯燥，学生需要真正理解和领会建筑设计者的思想，再结合前人的经验，开创出自身独有的思维模式，才能学好建筑美术素描这门课程。

艺术家的素描教学方法【第十篇】

摘要：徐悲鸿教学思想的核心就是“写实主义”。主张革新、反对守旧，总结出了一套行之有效的教学方法，并对现代美术界具有重大影响。本文主要就徐悲鸿的素描教学方法进行了探讨研究。

关键词：徐悲鸿素描美术教育。

徐悲鸿（1895－1958）是我国现代受人尊敬的杰出画家和美术教育家，曾于1928年至1946年在南京中央大学艺术系担任教授、主任，前后在该校工作任教了之久，他的大部分教育生涯也是在中大度过。在此期间，他为美术教育和美术创作倾注了大量心血。

徐悲鸿先生特别强调素描基础的重要性，提出“素描为一切造型艺术之基础”的观点，1917就在《中央大学讲座演辞》中有：“素描在美术教育中的地位，如同建造房屋打基础一样，房屋的基础打不好，房屋就砌不成，即使勉强砌成也不牢靠，支撑不久便倒坍。因此，学美术一定要从素描入手，否则是学不成功的，即使学会了画几笔，也非驴非马、面目全非。”十年后，1926在《中华艺术大学讲座演辞》中仍然说：“研究绘画者第一步功夫即为素描，素描是每人基本之学问，并为绘画表现唯一值法门。素描拙劣在于物象都不能认识清楚，以言颜色更不知所措。故素描功夫欠缺者其所谓颜色如何美丽，实是放滥，几与无颜色等同。”这在民国时期的绘画教育上做出了重大的突破。

徐悲鸿的主要教学思想的核心就是“写实主义”，坚持以现实主义的原则指导教学。首先，强调培养学生正确的观察方法。他认为“心手相应”的熟练技巧是以眼睛的训练即观察能力的培养为始的。指出“艺术之出发点，首在精密观察一切物象，求得真正，此其首要也。”他所传授的观察方法是：“你要把看到的东西一丝不差的画出来，要把手和眼睛训练的很准确，要注意所画的东西，多看少画，看准了再下笔，手和眼要协调一致，手要能把眼看到的东西反映到画面上。……至于初学的人为什么要多看少画，因为要首先训练画家的眼睛，要在对象上看到更多的美。”接着就是从石膏造型和人体模特画起，所采用的石膏模型大都是希腊、罗马文艺复兴时期名家经典之作，西方人体五官明显，相比东方的人体头像更便于让学生掌握形体黑白层次和调子的变化。石膏素描教室很大，在工字楼内底层容纳了100多件石膏模型，有些是在西洋艺术史上的著名雕塑，如阿波罗、奴隶、维纳斯坐像、摩西全身坐像等，都是徐悲鸿从国外专船运回的。

写实主义是徐悲鸿根据当时的中国画的弊端而提出的，认为即使是文人画，也要注重形体的准确性，而不能一笔概之。作为中国绘画教育的领航者，徐悲鸿将学生都带领到了世界绘画的高度上，使中国绘画与世界绘画走到一起。素描的的主要作用是锻炼准确的造型能力，这在中国画中也是必需的。打破了传统文人画的虚的概括的特点。

徐悲鸿不仅在西画课上大力提倡素描的学习，在中国画课中也大力提倡素描，他以木炭素描为造型基础课，素描写生的对象是人；在三年的素描训练之后，进入国画的分科学习阶段，他的国画教法与传统的区别是改画谱素描为素描写生入门，在学生掌握一定写实技能后，再以老师的亲身示范教授国画的笔墨技法。在他的教学中，国画的作画步骤一般是先用木炭条勾好底稿，即准确地刻画好对象的形体，然后用毛笔上墨。上墨的原则是以明暗黑白体现对象的结构和透视，墨本画好后再上色，上色的用笔与画写实油画一样，也以体现对象的立体感为准则。他格外重视素描对国画的作用，此方法作为对中国画改良的一个突破口，进而使后期的中国画改良得以成功。同时徐悲鸿也从中国画的学习中吸取营养，改进在素描上的教学，徐悲鸿也讲究中国传统绘画线条中的圆、重、平、变、留等笔法变化。针对素描人体的写生，他还制定了“新七法”，以“新七法”为具体的教学法则教学生绘画。使素描更有本土性，更便于学生掌握与改进。

徐悲鸿先生的教育活动及思想对现代美术具有重大的影响，使中国美术届得到迅速发展，摆脱了明清颓败的一面。现代美术界所呈现的大好局面，正是得益于徐先生重写实重基础的美术教育思想，他拓展了现代美术的形态。若没有徐悲鸿的写实主义观点手法和艺术教育体现，中国新当代绘画史会被大大改写，而一大批新当代杰出的中国人物画，山水画画家能否有今日之成就也便值得推敲。

注释：

[2]卢开祥求室学画记,徐悲鸿.[m]文史资料出版社.1983.第202页。

[3]艾中信徐悲鸿研究[m].上海：上海人民美术出版社，。

[5]王泽庆《徐悲鸿评传》[m].北京：人民美术出版社出版。

[6]书与画[j].1994年，第6期。

[7]徐悲鸿奔腾尺幅间[a]天津：百花文艺出版社,1。