艺术论文【最新5篇】

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艺术方面的论文【第一篇】

浅谈三边地区剪纸艺术

中国剪纸艺术在我国古老的民间艺术长河中留下了光辉的足印，它从最朴素的乡土气息中走来，带着泥土的芬芳照亮了中国民间艺术的殿堂。在我国各个地区，由于文化传承的不同，体现出不同的艺术特点，北方地区的粗犷豪放，南方地区的柔美细腻，不同的剪纸类型，给予人们不同的艺术美感。最具代表性的包括陕北、江南、山东等地区的剪纸艺术。在此，笔者将对陕北三边地区剪纸艺术特色作一浅显论述。

三边地区指陕北北部的定边、安边、靖边三地，与陇东、宁南同属黄土高原丘陵沟壑区，北接毛乌素沙漠和鄂尔多斯草原，属温带半干旱季风气候区。随着人们的开垦及战争的影响，该地区植被状况不断恶化，森林面积不断缩小，是全国水土流失最严重的地区之一。独特的地理位置、封闭的地理环境、深厚的历史背景使这三个地区在文化上拥有着自己独特的个性，三边地区的剪纸艺术也正是在这样的环境下，包容了我国南北地区以及少数民族文化中的诸多因素，表现出独特的艺术魅力。本文从剪纸艺术的创作技法、创作题材以及其浓厚的地域性特点三方面进行探讨。

一、创作技法

三边地区的剪纸艺术主要以刻为主、以剪为辅。纸质选择上没有特殊要求，一般采用普通红纸即可，这种纸适宜窗花、墙面装饰等普通粘贴处。当然也有特殊情况下的特殊用纸，如在祭神活动或是丧葬活动中，需用浸过色水的毛边纸(纸钱用纸)，剪一些表现祈福消灾的画面。主要创作过程有以下五步：

(一) 缝合

根据图案需要，剪取相关大小的纸张，以10～20张为一沓，将其边缘缝合，可以用订书机订，一般情况下，年长的民间艺人通常用纳鞋底用的针将这些纸整齐地缝在一起。

(二)压纸

这些缝合在一起的纸张会稍显不平整，剪纸艺人会用炕石或重物压在其上方，直到纸张平整，易造型为止。

(三)印模

三边地区剪纸都有存在时间很久的剪纸模板，这些模板多是由上一辈人流传下来的，当然在流传的过程中也会出现一些新的变动。首先，将模板用水固定在压好的纸上；然后，用煤油灯的烟熏贴有模板的纸的一面，直到在纸上熏出模板的纹饰；最后，去掉模板，纸面上就出现了要刻的图案。

(四)刻花

将熏有图案的纸压放在用动物油脂和炕灰混合构成的垫子上，用单片斜刀头的刀尖，按照纸上的图像进行创作，创作者要用力到位，仔细雕琢才能将图案表现得清晰明了。

(五)修剪

刀刻后的花纹有其不完善之处，比如人或动物的毛发、衣服装饰的细微之处等，用剪刀将其修改，自然、浑厚的剪纸就完成了。

二、创作题材

三边地区剪纸的题材主要包括吉祥图案、戏剧人物、山水风景、花鸟虫鱼、十二生肖等，这些题材都源于民间，是存在于人们生活中的真实再现。与其他地区不同的是，因地域原因又增加了具有自身文化特质的题材，如革命题材、陕北民歌的故事画面和极具该地区特色的劳动场面。

(一)革命题材

革命题材是陕北地区人民在剪纸艺术中经常表现的题材。三边地区作为红色革命根据地的重要政权所在地以及民间剪纸艺术的重要一支，成为革命题材剪纸艺术孕育的摇篮。1942年延安文艺座谈会以后，艺术家力群、陈叔亮、张仃、古元、夏风等深入三边地区，向当地群众学习民间剪纸，并且创作了大批反映解放区人民生产、斗争、生活的新剪纸艺术，使传统民间剪纸发生了革命性的变化。这种创作于三边地区的革命题材剪纸艺术

，在陕甘宁革命根据地迅速传播，在传播过程中，由于艺术表现手法的特定性，使革命题材剪纸艺术又充满了不同的生趣。常见的三边地区革命题材剪纸有《夫妻识字》、《骑白马挂洋枪》、《送郎参军》(见图1)、《兄妹开荒》、《白毛女》、《五哥放羊》等。

(二)民歌题材

陕北民歌是陕北地区特有的一种文化现象，最初从劳动号子中衍生，经过人们的加工创作，成为今天的演唱形式，其唱词和表现内容都是反映现实生活的，题材也多源于民间，三边地区作为陕北地区重要的文化摇篮，民歌 自然在该区域广泛传播。民间艺术是相互影响与渗透的，民间艺人也通过自己的想象与民歌中的故事情节结合，创作出表现民歌内容的剪纸作品。

常见的题材有表现男女爱情的《清水水玻璃隔着窗子照》、《世上只有妹妹好》、《泪蛋蛋泡在沙蒿蒿林》(见图2)，表现婚嫁题材的《嫁女歌》，表现革命新题材的《喜在脸上笑在心》等，这些民歌题材给剪纸艺术注入了多样性与灵动性。

(三)劳动题材

三边地区的人民勤劳质朴，他们靠自己的双手种田犁地、放牧收割，劳动是他们生活中所必须的。也正是因为劳动，他们才有收获，即使是在艰苦的自然环境下，他们也一直用他们的坚强和勤劳与自然做着抗争，民间剪纸就是他们生活的一面镜子。在农闲时，妇女们会拿起手中的剪刀，将平日里她们劳动的场面表现出来，剪纸是她们生活习惯的一种，但却正因为这种习惯，使那些看似普通的劳动场景变为一幅幅其乐融融的画卷。常见的劳动题材有放牧、打场、纺线(见图3)、搓麦粒、犁地、挑水等。

三、风格特点

三边地区的剪纸艺术充满了浓郁的地方色彩，无论是人物的外观衣着还是富有特色的背景装饰，都使我们看到了这种剪纸艺术所特有的魅力。除以上专门提及的几种个性鲜明的表现题材之外，在其创作风格上又具有很强的包容性与传承性。

该地区剪纸有别于陕北其他地区粗犷、不拘小节的风格，它在保存了自身具有的北方少数民族遗留的文化之外，还融入了许多江淮地区细腻温柔的感觉，两种文化因素汇聚在一起，使得黄土高原的雄浑与江淮地区的阴柔结合而诞生出这样一个民间艺术的瑰宝——三边地区剪纸艺术。

(一)简单细腻的技巧

三边地区剪纸最大的特色不仅仅是它具有地方特色的表现画面，而且其中的装饰纹样具有简约而不简单的魅力。在看似笨拙、轮廓简单的人物或动物造型中，总会出现细腻的装饰纹样，使画面变得生动清新。

1. 线条细腻

三边地区剪纸画面都由细线条构成，这种细线条使得画面干净利落，并具有立体感；回环缠绕的细线条不会使画面显得轻浮，反而更加灵动。靖边剪纸能手华月秀的剪纸作品，使我们清晰地看到了细腻的线条在剪纸中的艺术美感。如《猴子捞月》(见图4)中那些细线条的树木与枝叶，同连成环状的块面的猴子形成了鲜明的对比，正是这样的对比，使得画面主体突出，有一种虚实相得益彰之感。

2.流苏式(锯齿式)装饰

流苏式(锯齿式)装饰纹样是三边地区剪纸艺术中的又一特色，无论是植物枝叶还是动物毛发，都有一种特定的(流苏式)锯齿状纹样作为主要装饰，在当地被俗称为“抖毛毛”。尽管在西北其他地域的剪纸中也有这种类似的装饰，但多数显得笨拙粗糙，不会像三边地区这样整齐分布且细如针尖，很好地突出了物体的特点和生命力。

二)南北文化的结合

三边地区自古以来就是多民族聚居地，其文化因素深深影响着这个地区。三边地区人们冬季着衣以羊的皮毛为主，《汉书·匈奴传》中记载匈奴服饰：“自君王以下，盛食畜肉，衣其皮革。”由此可见，匈奴文化对其产生的影响。三边地区还有头上扎羊肚手巾的习惯，据《旧唐书·党项传》载：“男女并衣裘褐，仍披大毡。”这些都是由游牧文化转化过来的。该地区人们的饮食习惯以蒸煮为主，手抓羊肉、羊杂碎、炒米、炒面等为特色饮食，与蒙族的饮食文化相同，这些长久以来的生活习惯使三边地区人们的身上有一种朴实与谦和，但并未丢弃马背民族高傲的天性，所以在他们的剪纸艺术中，亦有这种朴实的内涵。同时，江淮文化的进入，又带来了太多的细腻柔美，这使得三边地区剪纸艺术呈现出一种容纳南北的艺术特色。

吉祥图样、人物、动植物是剪纸作品中经常表现的题材，但南北方的表现手法却截然不同。三边地区将两种不同地区的表现技法结合于同一画面中，既有北方的大气，又有南方的细腻。笔者选择南北方各具代表性的剪纸，即江淮地区民间剪纸代表的安徽剪纸和黄土高原文化区域的民间剪纸代表安塞剪纸，予以比较说明。

1.吉祥图案

吉祥图案是民间艺术中最普遍与恒久的图样。安徽剪纸中的吉祥图案轻盈并且棱角分明，清新自然；安塞剪纸中的吉祥图案圆润饱满，一如黄土高原人民的那种憨厚感；而三边地区的吉祥图案则在表现轻盈之感的同时，将线条的分明感与体积的块面感合二为一，虚实表现得当，仍不失将一种富贵华丽感表现出来，在这种华丽中，也包含着北方人们所特有的朴实感。如通常所见的凤凰图案，安徽剪纸中的凤凰俨然是鸟中之王的姿态，翎毛飘逸，卓尔不凡；安塞剪纸中的凤凰厚重感十足，尽显富态之仪；三边地区则将二者凤凰的特点尽收其中，王者的头冠，庄重大气的尾部造型，盘旋动感的仪态，使得画面在传达富贵繁荣之意的同时，更多了些和谐平静的气息。

2.人物图案

人物图案是最能代表一个地区文化特征的纹样。江淮地区的人物娇小温柔，黄土高原地区的人们魁梧直率，表现在剪纸艺术中，突出了他们文化中的细腻与奔放，尤其是将他们生活中的模样真实地展示出来。安徽剪纸人物造型简单，服饰装饰复杂，这与民间流行的染织布艺有关；安塞剪纸多突出人物的造型及动作，使画面情节清楚，衣物装饰简单，仅以线条表现真实服装的特点；而在三边地区的剪纸作品中，我们不仅能看到人物的动作与造型，而且对人物的服饰装饰着重刻画，将南北剪纸艺术中的简繁，通过其细腻的线条表现在一起，构成了三边地区剪纸的特定样貌(见图5)。

3.植物图案

植物亦为剪纸中很常见的图案，它们时而独立存在，时而作为装饰与其他题材一同出现。在植物纹样的表达上，南北两地也有着各自的艺术语言。安徽剪纸中的植物造型多以写实的方式剪裁，从花朵到植物的茎、叶，都通过极其细腻的手法表现，宛如古代工笔画中花卉图样的再现。而安塞地区的植物类剪纸都采用了抽象夸张的表现技法，往往将植物与动物表现在一起，或是做以变形，使植物本身的物理特征弱化。与这两个地方的剪纸艺术相较，三边剪纸中的植物造型既有写实的成分，同时又兼有夸张变形。如剪纸荷花，在形象地表现荷花造型的基础上，又给荷花的花茎边缘增添了一些“抖毛毛”的装饰纹样。这种边缘的装饰，看起来不很合理，但正是这种不客观的装饰意味，才使得三边剪纸在表现柔情的花草时显出一种北方民族的豪迈。

4.动物图案

动物在民间美术中总是会被人们冠以一些美好的寓意，关于此类题材的剪纸作品样式繁多、风格各异，但每个地域总有其独特的艺术视角。南北方剪纸艺术中的老鼠，均被赋予“多子”的内涵。安徽剪纸中的老鼠古灵精怪，有一种抽象的表现意味，身体上装饰有复杂的图案；安塞剪纸中的老鼠在保持其固有的老鼠外形外，杂糅进了夸张的成分，但多以一种简单朴素的造型出现，多了一份北方地区特有的淳朴；在三边地区的剪纸老鼠图像中，老鼠多以写实的方式出现，真实地塑造了老鼠的外部特征以及它精明的特点。与安徽剪纸一样，其身上装饰有复杂的花纹，使得吉祥意味突出(见图6)。

根据以上对比研究，三边剪纸艺术中充满着南北方剪纸文化中的很多方面，无论是技法还是装饰，都体现出南北剪纸的综合性特点，这种综合性使得三边地区剪纸在其固有的北方民族的大气和张扬中兼有了江淮地区的清新灵动。

四、结语

综上所述，三边地区剪纸集历史性、生活性为一体，不仅题材鲜明、个性突出，更重要的是它将不同地域的文化表现整合在同一画面中，朴素中兼具大气，同时洋溢着清秀典雅之感。

然而，这种充满文化结合性、本土发展性的民间艺术，正在一步步走向没落，当这个贫困的地方开始有了石油资源作为生活支柱之后，原本朴素的生活、质朴的内心，就离这里人们的生活越来越远，而剪纸这样一个心灵艺术的再现者，则慢慢被尘土所遮掩。尽管有部分学者已经注意到这一地区剪纸文化的独特性，但由于资料的欠缺等因素，均不能进行深入的研究，这就使得该区域的剪纸艺术在时代进步的大流中日趋淘汰。在这种情况下，关于研究陕北文化的学者或是关于非物质文化遗产保护的机构，应该对三边地区的剪纸艺术多做详尽研究，尤其是在本土文化中兼有江淮地区文化因素的方面，这样才能使得这种民间艺术不会随着地区经济的过快发展而出现不平衡现象，也会使三边地区剪纸艺术走得更远。

艺术论文【第二篇】

摘要：二度创作属于二胡艺术实践过程中不容缺少的重要环节，二胡艺术家们往往会结合自身阅历或者是情感认知等情况，运用科学化的技法技能就二胡音乐作品实施个性化以及多维度展现。此外，二胡演奏者们所具有的较强二度创作能力并不是在短时间内培养出来的，必须要在长时间艰苦奋斗的基础上形成。二度创作能力培养需要在扎实基本功前提下，不断积累阅历，促进艺术素养水平的提升，全面把握二胡音乐所具有的地域性以及时代性，增强二胡创作能力。本文就二胡表演艺术中的二度创作与实践展开详细论述。

关键词：二胡表演艺术；二度创作；实践

音乐一度创作属于二度创作的重要基础。从某种程度上讲，所有音乐作品都是借助音乐表演二度创作向听众展现的，然后在表演人员艺术表现力基础上引发听众们的共鸣。然而由于表演人员自身条件因素，音乐表达或者是传递期间给予听众的感受往往是不同的。具体来说，二胡艺术的音色比较柔美，且表现力非常丰富，在表现手法方面是多层次的，并因历史文化渊源受到广大听众朋友们的喜爱。因此，现阶段对二胡音乐实际表演过程中存在的二度创作进行分析研究，不仅在二胡教学方面有重要意义，而且在社会效应方面也发挥着重要作用。

一、二胡表演艺术中二度创作的重要性

从专业化角度出发，所有表演艺术发展过程中，其艺术行为可以从狭义角度划分为三个阶段，也就是创作阶段、表演阶段以及欣赏阶段。在这三个阶段当中，艺术家属于创作以及表演艺术的自然主体，而观众则属于欣赏层面的自然主体。音乐作曲家们把多种音乐素材以及创作技法进行有机，使其成为一个整体，并在此过程中融入相应的思想感情，最终创作出完整化音乐作品，该音乐创作过程我们可以将其称为一度创作[1]。而在一度创作前提之下，音乐表演人员结合自身对于相关乐谱的不同解读以及对于乐器本体技法情况的熟练掌握，借助乐曲充分表达内心情感，然后将表演人员的自身经历不断融入其中，进而表现出风格各异的表演，这种表演可以称为二度创作[2]。从二度创作的特点上来看，二度创作中的表演人员在整个表演期间不仅要充分阐释作品深层次内涵，而且要融入一定的创造性表演，使其与他人的艺术有所区别，体现艺术的个性化特征。

音乐表演是二度创作，同时也是赋予音乐作品强大生命力的创造行为。音乐表演不仅要做到对原作品的真实再现，而且要借助表演进行不断创造，就原作品实施补充以及丰富，致力于超出作曲家本来设想，加入新鲜活力，使表演艺术重焕光彩，这也是音乐表演以二度创作形式存在的本质性意义。因此，我们可以说二胡演奏人员的二度创作属于二胡演奏者对作品生命力的再次赋予，在一定程度上避免了二胡演奏生硬再现原作问题的出现[3]。实质上，二胡音乐演奏并不是对于前辈艺术家相关演奏技法以及表现情感的单纯性模仿，也不是机械朗读原作谱面，而是表演艺术家们在自身阅历、情感积累以及能力认知等条件下，就二胡音乐作品实施的个性化以及多维度的再次展现[4]。只有这样才可以充分满足相关欣赏主体所具有的多元化审美，从根本上促进二胡艺术可持续性发展。此外，二胡演奏家作为二胡音乐作品以及观众之间的重要桥梁，所发挥的沟通交流作用是显而易见的，一个优秀二胡作品只有在融入演奏人员个性化二度创作的基础上，才可以从内容层面以及形式层面进一步赋予音乐作品核心灵魂。

二、二胡表演艺术中二度创作实践

通常情况下，二胡表演艺术当中的二度创作需要经历三个阶段，具体如下：

第一，二胡表演二度创作的理论准备阶段。在该阶段，我们需要就作曲家所处于的特定化历史时代以及社会背景进行全面化了解。究其原因在于作曲家属于特定历史时代中的人，其创作往往会受到特定历史时代发展情况、社会意识以及民族文化等方面的滋润以及影响，进而在实际音乐作品当中表现出个性化的人格追求以及独特风格特征[5]。总而言之，二胡作曲家作品中一般会凝结着作曲家自身对于大自然、社会以及道德等的感受与领悟。

第二，二胡二度创作的技术操作阶段。当顺利结束理论阶段准备之后，就可以进入到技术操作阶段中去了。因二胡作曲家一般是借助旋律、复调、曲式以及和声等创作手段，实现对自然、社会与道德等感受有效融入的。所以说，在二胡演奏家二度创作过程中，创作人员必须要就乐谱旋律、和声以及复调等技法，从技术层面实施深入化分析研究，最终实现音乐作品全面化、系统化的呈现。例如，在二胡演奏曲目《二泉映月》当中，二胡演奏者应注重右手弓法的合理运用，然后选择存在音头的专业化换弓方法，也就是音头换弓，还可以叫做“传统换弓”。其特点在于所发出来的音色相对来说比较扎实质朴以及刚劲有力，能够很好地切合《二泉映月》所要表达的内涵。如果在实际工作中运用无音头换弓方法，也就是“无痕换弓”，则音乐听上去会过于华丽以及水灵，无太多的冲突感，而且爆发力也相对较弱，难以充分表达出《二泉映月》的苍凉以及刚劲。

第三，二胡二度创作的演绎对比阶段。从某种程度上讲，一部非常优秀的二胡演奏作品，必须要经受得住历史考验以及时间冲刷。当优秀作品经历了一定的时代变迁之后，往往会被具体所处该时代的作品演奏家们因历史文化因素以及人文自然因素等的影响而做出不同演绎，甚至会在同一时期内演变出差异化流派，一般表现为不同演奏人员或者是同一个时代但流派存在差异的演奏家们在对同一部作品进行演绎的时候，会表现出个性化风格特征[6]。所以说，一个较为成熟的二胡演奏家必须要在文化以及艺术不同风格或者是不同流派对比研究当中，紧紧把握作品内容以及独特化的艺术个性。然后在此前提下，二胡演奏家们再参照或者是吸收同时代不同演奏家们关于作品演奏的精华，进而发掘出自己对于音乐作品的独特感受，形成合理化的音乐演奏方案。当然，当演奏家形成个性化艺术风格的时候，应紧紧把握“度”的基本原则。该原则要求二胡演奏家们必须要就自己的独特艺术表现力与作品原始创作意图进行平衡。比如，美国音乐评论家约瑟夫巴诺威茨指出：“成功的演奏必定是演奏者的个性与作曲家的个性融为一体，而不是任何一方受到压抑。这两者之间永远需要一种微妙的平衡。”

三、结语

总而言之，二度创作属于促进二胡艺术可持续发展的重要动力源泉，同时也是构架二胡作曲人员以及听众的关键性桥梁。当二胡演奏者拥有较强二度创作能力之后，就可以增强二胡音乐作品所具有的流传度，从而充分发挥二胡艺术价值。然而，二胡演奏者所具有的二度创作能力培养属于一个长期过程，必须要具有较为扎实的基本功，并具备较为丰富的生活阅历，不断提升艺术素养，全面把握二胡音乐作品所处于的地域性特征，增强二度创作能力。

[参考文献]

[1]朱国昌。解释学视角下钢琴演奏中的二度创作意义——论钢琴表演艺术中的“视域融合”[J].齐齐哈尔大学学报(哲学社会科学版).2012，05:155-157.

[2]李艳杰。论音乐表演中的二度创作实践[J].大舞台。2012，11:69-70.

[3]季维模。三个高峰三座丰碑赏析《江河水》.《新婚别》.《长城随想》，走进闵氏博大境界的二胡艺术[J].中国音乐。:144-150+199.

[4]区洁。论歌唱表演艺术中的二度创作[J].艺海。:60-61.

[5]宋飞。关于二胡表演艺术不同演奏类型的思考——对二胡艺术20种演奏类型的区分与认识[J].中国音乐。:42-50.

[6]宁志远。也谈二胡艺术的二度创作[J].艺海。:50-52.

艺术论文【第三篇】

一、艺术设计伴随着人类的生产劳动的产生而产生

就艺术设计这一创造性的活动来说，它是伴随着人类物质生产活动和器物文化的出现而出现的。它实际上就是“人类为生存而进行的造物活动，是人为实现实用功能价值和审美价值的物化劳动形态。这种造物具有一定的审美属性和精神价值，因而是一种艺术质的造物”。

人类的历史是从制造工具开始的，艺术设计的历史之河也从这里发源。当人类的祖先把一块石头敲打成用来切割和砍削的石刀时，最早的设计活动就开始了，这把石刀就是最初的设计产品。这种工具的创造首先符合实用目的，同时也顾及到了用起来方便、省力，以引起主体的快感。它的制作过程具备了设计所要求的从预想、选料到加工成型等必备过程，它的功能和形式结合于一体。最早制作劳动工具如石斧、石刀、弓和箭的原始猎人，是人类第一批设计师。工具的制造是人类自我革命的开始，也是人类区别于其他物种族类的根本。我们今天所看到的最早的史前艺术品，差不多都是与人的生活最紧密相联系的工具和食用器。这些就是我们人类早期之艺术设计。

艺术设计于是随着人类文明的发展而发展，随着人类的科学文明水平的提高，艺术设计也越来越科学化，其技术性也越来越高，艺术设计逐步成为了一种有目的的创造活动，成为了协调人和环境、个人和社会、生产和消费之间的手段。

二、经济属性贯穿于艺术设计活动过程的始终

艺术设计的经济属性是它区别其他艺术活动、手工业的首要特征。

人的相互关联构成复杂的社会，社会的不断进步与发展必然导致人对物质和精神生活的追求，艺术设计通过艺术与技术相结合的创新设计，像其他社会生产力一样创造社会的物质文明。

1、经济因素在艺术设计的不同过程中具有不同的形式和作用。

从设计到实现设计的全过程中，经济因素在不同的阶段具有不同的形式和作用。

(1)设计观念的产生阶段：艺术设计需要把握设计物由过去到未来形成发展的种种相关因素，然后以创造性思维方式和表现手法使之成为崭新的设计方案。

其中的经济因素体现在对原有状态的经济价值分析、市场需求预测以及新方案的经济内容评估等方面。

对原有状态的经济价值分析，是设计观念产生的基础。

(2)设计的实施阶段：设计的实施过程指的是设计方案由图纸到生产为实体的过程，对于设计来说，是实际制作的过程。

设计在真正付诸实施的过程中，从设计物的试产、批量生产和专利保护等方面均受经济因素的制约。

(3)设计的实现阶段：设计物最终要推向市场实现其经济价值，主要是通过销售来实现的，当设计物作为商品投放市场，设计师应当及时调查市场反映和销售效果，综合反馈信息以改进产品设计和进行新的设计构思。

其中，经济因素不仅体现在设计物的综合经济价值实现的过程中，而且作为改进更新已有方案和促成新的设计方案的产生基础，经济因素也起到了不可替代的作用。

1923年，现代设计之父格罗佩乌斯将德国包豪斯设计学院的教育理念“艺术与技术的统一”传播到全世界，使设计终于打破艺术桎梏解脱出来。

而在经济与信息化的今天，我们应提倡“设计与经济的结合”，设计必须服务于经济。

2、艺术设计通过预测未来的市场需求来确定设计目标和方向。

设计具有强烈的超前性、预测性。“设计”这个概念在许多场合中，也往往被“策划”等术语代替。这意味着设计与艺术、手工艺活动都不同，它更偏重于事前的过程。在整个市场营销的组织中，设计占有引导性的地位。

“设计→生产→销售→使用”这四个环节中，设计不仅在时间上先于生产、销售活动，而且设计的市场定位合理与否，在很大程度上决定了后两者的成效。

正因为如此，设计前的活动往往比设计本身花费的时间、精力更多。

如设计前必须进行大量的市场调查，包括对厂家、消费者、竞争对手、媒体的详细调查；调查之后的数据要加以统计分析直至最后提出成文的方案、策划报告；并且还必须根据市场状况及时调整方案，以适应突如其来的变化，这就要求设计师的思考必须高度理性化和高度专业化。

科学地进行市场潜量、市场占有率及需求预测，把握设计物实现为实体后在市场中的作用和价值体现，能够使新的设计方案更加合理，更加准确地适应未来市场，并且通过预测可以得到提高和创造设计物附加价值的理论依据。

三、艺术设计与社会经济发展是相辅相成的关系

1、社会经济的发展是艺术设计繁荣的基石。

艺术设计的技术性、经济性、文化性决定了只有社会经济高度发展才有艺术文化的繁荣。

从艺术设计本身的发展来看，现代设计的起源有两个显著特征，其一是劳动的分工，其二是生产工艺的改进使得大规模生产和低消耗成为可能。

艺术设计的每一次飞跃和进步，都处在因社会分工而造成的社会经济高度发达的时期。

首先，因为社会经济发达，随着人们生活水平和自身素质的提高，人们不再仅仅满足于商品的物质性功能，而越来越重视消费过程的精神享受和审美快感，社会需求加大、人类文明和审美情趣的提高，为艺术设计提出了更高的要求并提供了雄厚的物质基础。

其次，社会经济高度发达时期也是社会观念大变革、大解放时期，为艺术设计的应用和发展提供了广阔的思想和思维空间。

知识经济是继工业经济之后的又一次革命。在知识经济时代，知识成为发展经济的主要的直接资源。在知识经济时代，设计艺术将成为人类十分主动和相当自觉的一种行为。大至建筑、环境、公共艺术、城市规划，小至食品、服饰、生活用品、劳动工具。总之，人类一切生存空间、物质和生活方式，都要经过精心而富有创意的设计。

人类将生活在一个经过了设计并不断被设计着的文化环境和文化氛围之中。也就是说，在这个新世纪，设计本身将成为人类生存和发展必不可少的一种方式，将成为一种历史沿革的文化。知识经济为艺术设计的发展提供了机遇与土壤。时代的变革，经济形态的变化，为设计艺术的创新发展将提供更为广阔的空间。作为社会经济发展的推动因素，设计艺术也必将以自身更为完善的运作体系，更好地为社会经济服务。

2、艺术设计的发展是社会经济腾飞的翅膀。

艺术设计是艺术与科技相结合的产物，艺术设计同样也是一种生产力，在推动社会经济的发展。艺术设计发展的原动力在于满足人的需求。人类在生存与发展过程中产生的欲望和要求称为需求。按照美国著名的心理学家马斯洛(Maslow)的需求理论，人类的需求分为五个层次：生理需求、安全需求、社交需求、尊重需求和自我实现需求。艺术设计的市场取向就是以满足需求、引导需求、创造需求为目标的，它的目的是人而不是物。

其次，艺术设计所带来的，不仅是精神上的愉悦与享受，更重要的是，它可以改变人们的生活方式。艺术设计是把预期目的和观念具体化、实体化的手段，是人们进行经济建设活动的先期过程。它的本质是人们对将要进行的经济建设活动作出艺术化的设想和筹划。

总体来看，这种设想和筹划是进步的，发展的，甚至是超前的。

从这个意义上，也说明了艺术设计是一种推动社会发展的动力。艺术设计促进社会经济发展的典型案例，一是以德国为代表，由国家最高权力机关设立或制定专门的工业设计部，把设计业作为国家经济整体的一部分。

二是以原东南亚“四小龙”为代表，政府直接参与设计的实施。其目的是把设计作为国家综合性经济改革的一种手段，如通过调动本地工业的多种资源激发设计，以便能在国际市场竞争中推出高附加值的产品。

这三者相辅相成，其中，工业设计对日本经济的腾飞发挥了巨大的推动作用。从各个经济发达国家的经济发展史来看，“艺术设计也是一种生产力”“设计就是经济效益”的说法并不过分。艺术设计不再是对客观世界的简单反映，它强调创造性与个性，具有化腐朽为神奇的力量。通过艺术设计，可以提高产品的科技、艺术含量，提高产品的审美附加值，从而创造出更多的经济效益。

中国加入“WTO”已经成为现实，我国的经济运动模式和产业结构更新也将因此而发生深刻的变化，改革开放二十余年，中国的设计产业发展迅猛，且设计产业是伴随着经济不断成长起来的，特别是知识占主导地位的今天，对设计产业的适时性、前瞻性都提出了更高的要求。

无论是现在或未来，艺术设计都会以强大的推动力和自身优势服务于经济的发展中，推动科技的发展和社会经济的腾飞。

艺术论文【第四篇】

摘要：古徽州地处三省交界处，人杰地灵，徽雕的产生有其必然的因素，“三雕”有着其独特的艺术价值，在研究中国文化，民间艺术和文人艺术相结合的方面很值得我们借鉴，其精湛的技艺，精美的雕刻艺术品更是国之瑰宝，世界的宝贵文化遗产。

关键词：徽州；三雕；装饰；寓意

根据史料记载，古代的徽州就在现在的安徽省南部，主要分布于安徽宏村，西递，江西婺源一带，处在三省交界处。徽雕应用于建筑装饰上，装饰性风格具有浓烈的文化地方特色。徽雕主要有用于祠堂庙宇，园林民居的装饰的表现上，还用于室内家具的室内用品。我经常带学生去安徽江西写生考察，逐渐了解了徽雕这一门独特的雕刻艺术。

徽州的“三雕”主要指木雕、砖雕、石雕，徽雕之所以昌盛，有他的必然的原因。首先徽州山林地区，盛产木材。尤其是各种木材很多，取材很方便，所以他们大量的应用于家庭院落的装修装饰，例如室内的屏风，日常使用的桌子、椅子、床、书架、书房。再次石雕之所以非常的流行，就是因为这地方黟县地处山中，周围有大量的的大理石，这种大理石叫做“黟县青”被广泛用于村子的建设建筑中，这种石头有它的独特的艺术价值，经过打磨之后，会出漂亮的线条纹理，不仅石质坚硬，而且易于雕刻，所以被大量应用。还有就是因为徽商为了光宗耀祖，他们做了一辈子的生意，回到家乡，他们用大量的财力来修建祠堂，建立自己宗族，以显示豪华富贵的家庭背景和显赫的地位。他们用了大量的财力同时也培养出大量的能工巧匠，使得他们的雕刻技艺在大量的实践中不断炉火纯青，独秀一枝。最后徽州此地山清水秀，在黄山脚下，皇室家族的带动和提携，加上先人的智慧古训，走出一条耕读并举，亦商亦儒，以商养儒的路子，出现大量的仕途，商道都非常通达的历史名人、达官上卿，他们赚了钱，发达了又回家乡开学堂，教育后代，他们的发展同步也带动了此地的文化发展，徽雕就是在这么一个环境下形成的，其渊源于宋代，到明代清末极为昌盛。

我们首先看木雕，其主要应用于房屋的建构和装饰，古代大多数采用木质结构建，门窗床多采用了雕刻艺术，通过这种方式来显示家庭地位。主要体现在门楼、窗户的装饰图案的地方。下面我们继续分析一下其艺术特点，刻在门上窗上的木雕形象大多线条流畅，圆润饱满，十分干净利索。线条组织和疏密节奏飞舞流动。造型上笨拙可爱，夸张变形突出特点，简洁概括突出特征。外形很整，神情自然传神，动作表情表达十分到位。寥寥几笔，栩栩如生，左顾右盼，形成经典的模式。木雕的雕刻题材，有人物，走兽，花鸟，鱼虫，楼台亭阁等。其中有很多独特的动物，例如鹿，牛羊，蝙蝠，蟾蜍，喜鹊都进行了典型的概括，很具有代表性。另外还包括一些植物，如莲花，菊花，梅花，也进行了经典的概括特征，十分明显。木雕形象同时都进行了点、线、面的平面化的处理，极具有现代感。木雕还有一个非常重要的特点，就是经常用比喻的手法或者暗示的寓意，例如仙桃代表长寿；莲花和芦笙放在一起表示连生贵子；石榴暗示多子多福；把铜钱和蝙蝠放在一块以为福寿双全；瓶子里插了一把扇子就是说平生要积善累德；一个小孩儿手指天空代表指日高升；三宝方天画戟代表连升三级。木雕在安徽徽州一带起到了一种日常教育的作用，在潜移默化中进行了理学教育，尤其是对于幼学启蒙十分重要。有些在题材上如渔樵耕读，福禄寿喜，一些内容上都从书里提取出来，忠孝结义，富贵吉祥，仙人菩萨，无所不包。有些讲了一个一个的故事，有些是直接把书籍里边的故事刻出来以教育后人，各种形象的雕刻都是有其特定的意义和美好的愿望的，如五子登科，平步青云，百子图，官拜公卿，福禄双收。都是对人生幸福的完美的天伦之乐的向往。木雕的雕刻十分细腻繁复，讲究艺术美，有的讲究镂空的效果，镂空的层次很多，题材都在不同平面上内部中空，层次分明雕刻艺术十分高超。雕刻完之后，为了保护木雕，也是为了获得最美的效果，木雕表面又多用油漆彩绘，使得颜色鲜亮明快，内部的形象多用金色或金箔描绘，金灿灿的光彩艳丽显得有富贵之气。木雕主要采用浮雕和透雕相结合的方法，借助于流畅的线条，简洁古朴的造型，强调了对称及富有装饰的现代趣味，徽州的木雕雕刻风格朴实粗旷，平面突出。一直到明清后期，雕刻艺术日益繁荣，家家户户都都采用木雕来装饰室内家居。

第二种是砖雕，主要应用于门头上面，门槛，起到装饰作用。显示门第的不同，家族显贵的作用。雕刻方法十分突出形象，大都是浮雕，凸显出砖面之上，一般是左右对称成双成对的形象，镶嵌在大门门头之上，大多是吉祥瑞兽，大象，蟾蜍，钱币，麒麟送子，莲花，宝鼎出祥云，蝙蝠成双对，而且砖的外形也不是完全方形的，大多是小扇形，菱形的。这样砖雕十分灵动柔美，砖雕各种形象的表现也十分精细流畅，形象中的各种装饰纹案，装饰感十分强烈，而且有着美好的寓意。形象造型笨拙，有福气之感。构图采用平面并行排列，形象都处在同一平面上。这样和门头飞檐组合起来，使得门面很有气派，格局不凡。

第三种是石雕。石雕的代表一就是在西递宏村镶嵌在墙上的石窗楼窗，很多有圆的、扇形的、菱形的比比皆是。上面雕刻着精美的图案，有梅兰竹菊图，吉祥瑞兽等等。还应用于其他的地方，如房屋的台柱门楼，起到装饰作用。石雕多是小型动物石雕，造型朴实，神态自然，大多是小狮子或麒麟。二就是牌坊，更具有代表性，是皇帝赐给功臣表彰大臣的，歌功颂德，雕刻艺术价值更是精湛，西递的胡文光的牌坊最具有代表性。胡文光在明代嘉庆年间，中状元后来皇帝批准在他家乡建了这座功德牌坊。以表彰他在当官的时候做了很多好事善事。胡文光的牌坊有它独特的魅力和价值，是牌坊和雕刻艺术的完美结合，牌坊上雕刻的吉祥瑞兽，牌坊上有四个大柱子，柱子下端都雕刻石雕大狮子，狮子刻的非常栩栩如生，是完整的雕塑，大狮子和小狮子嬉戏打闹。牌坊中部刻有仙鹤麒麟瑞兽，在牌坊上部刻有天官赐福，仙人石雕，牌坊有大量镂空石雕，极尽繁复，一般多为透雕，还有圆雕、线雕等与各种技法的并用，可称为石雕中的精品。

徽州“三雕”受到中国传统文化的影响，本身在故事题材上多为民间传说，神话典故。动物图案也多来自于民间传说，花鸟图案，吉祥图案。徽雕是中华民族民间文化与文人文化相互结合而产生的一种民间艺术。自身体现了民间艺术的特色，也充分体现了中国传统文化的载体的演变和发展变化，是中华民族民间艺人的艺术才华的表现。也是中华民族的优秀传统的体现，是中国民间艺术的瑰宝，也是中国雕塑史上的具有代表性的作品，值得我们很好的研究和发掘，以便我们把它传承下去，让我们的子孙后代知晓我们传统文化的精湛和伟大。

参考文献

[1]杨文论徽州古建筑“三雕”之美。

[2]武旭峰编著、西递、宏村[M]、广州：岭南美术出版社。2013.

艺术论文【第五篇】

一、舞台美术设计与色彩

在舞台美术设计中，背景色彩与主色彩的融合也是决定舞台表演成败的关键，一场好的舞台艺术表演往往拥有完美的色调搭配，所以在舞台美术设计的色彩搭配上，一定要注意强化主题的表现力，应结合不同的色彩对其舞台背景色彩进行不同阶层的搭配。如使用反差系数较大的色彩搭配的舞台，其可见度就往往要高过使用临近色调搭配的可见度。所以，在舞台美术设计中，应尽量采用简洁明快的色调，从而给人们留下深刻的印象。色彩是决定舞美设计效果的重要因素，在舞台美术设计中，色彩往往能够直接映入观众的视线，它不仅是舞美设计中最能表达情感的元素，同时也使舞美设计拥有了独特的韵味。

二、舞台美术设计中色彩的具体运用

色彩是人们的情感和思想基调的表达。在舞美设计中，色彩的运用主要包括布景色彩、化妆设计色彩、服装色彩以及灯光色彩四种，设计者只有合理地运用了色彩，使其在舞台艺术表演中对观众产生了强大的视觉冲击力，才能够使得舞美设计达到理想的艺术效果。

1、布景色彩的运用

作为舞台的表演形式之一，舞台布景在舞美设计中占有重要的地位，对布景色彩的运用直接关系到了舞台表演的好坏。舞台布景设计是以剧本的相关内容及导演的设计意图为指导，并配以各种道具材料的使用，采取平面与立体相结合的方法来使舞台的表演达到最佳演出效果的设计过程。而为了准确定义剧本所设定的环境，就必须依托色彩的调配来设计舞台的布景。布景的设置主要有背景图和道具两种，背景图应配合剧情需要进行舞台设计，同时还要注意与主色调的合理搭配。舞台布景的色彩通常需要体现不同剧本的不同风格，这就要求设计者应根据剧本的悲喜色彩和现实性来采用不同的布景色彩。例如在写实类的剧本表演中，布景色彩的设计就应该以现实生活素材为依据来合理地组成背景。如剧中如果要求有山和水的场景描述，那么舞台背景就应该使用青色的背景来表现；而在虚幻类的舞台表演中，就需要使用一些夸张的色调，如粉色的天空和黑色的群山等。只有采用合理的布景色彩，才能够使表演具有独特的神韵。除此之外，道具也是舞台布景设计中的一部分，其可分为随身道具、大道具和小道具三种。舞美设计者在使用这些道具时，应注意两个主要问题，一是要充分考虑到舞台的整体效果，将色彩巧妙融合于整体色调之内，而不是单一地突出某一件道具，导致舞台表演失去了整体的协调性和美感；二是要注意道具与布景之间的相互对比关系，通常深色布景下的道具应选择浅色类，而在浅色布景中则应该选择深色类的道具。如舞台布景如果以花色调为主，那么像衣柜、沙发等道具就要使用纯色。只有使背景和道具的运用与周围环境相协调一致，才不会给观众带来审美疲劳。

2、化妆设计色彩的运用

化妆是塑造舞台人物艺术形象的重要手段之一，它要根据表演者所扮演角色的年龄、性格、性别等特点，来对人物进行装饰和美化。通过舞台化妆设计的妆容和造型，能够很好地突出表演者的独一性，使观众能够对角色进行准确地判断和分类，使表演者能充分发挥其最大的优势去给观众呈现其舞台表演的魅力，从而使其在艺术表演中获得个人潜力的升华。想要达到优秀的舞台表演效果，舞台化妆设计必不可少。由于舞台剧本不同，化妆手法也不同，因此所呈现出的效果也就会有所差异。通常舞台妆容都需要通过对各种工具的运用，并配合化妆设计的基本原则，采用合理的化妆技巧来对舞台表演者的五官及其他部位进行描画和大面积的渲染，从而使其妆容在配合舞台表演的同时能够强化表演的主题意象。化妆设计所使用的材料主要以色彩为主，所使用的色彩与图案不同，舞台人物所呈现出的特征也就不尽相同。如在戏剧舞台表演中，设计师就常常通过对人物脸谱色彩的刻画来突出不同人物的性格特征，如代表正直忠义的红脸关公和代表奸诈无常的白脸曹操等。作为一名合格的化妆师，理应正确地认识和把握色彩的使用程度，在设计舞台妆容和造型时，化妆师应充分利用色彩的错觉性来使演员的妆容达到完美的效果。例如在一些舞台剧的化妆设计中，化妆师通常会利用眼线和眼影的搭配效果来调整演员眼部的大小，或者通过面部的阴影描画来使演员的面部更加立体化等。舞台妆容不同于影视剧的妆容，在剧院中，观众席通常距离舞台有一定的距离，而为了突出演员的面部，化妆师就需要通过强烈的色彩对比来修饰演员的面容，以此来达到最佳的舞台效果。

3、服装色彩的运用

对于舞台表演艺术来说，舞台服装就像是一块会动的颜色板，它需要被表演者穿在身上来展示出舞台剧的艺术魅力。好的舞台服装设计通常能使舞台的艺术审美得以充分展现，而一个好的舞台服装设计师，不仅要能够制作出适合舞台表演的服装，而且还要能使表演者在穿上这套服装时充分发挥出魅力，使台下观众感到身心愉悦。对于设计师来说，不同的服装色彩所表达出来的效果是不同的，为了使表演者的服装发挥出最大的效果，设计师们就应该合理地使用色彩这一重要舞台元素。色彩在服装设计中占有重要的地位，服装色彩的强弱能够很明显地表现出表演者所要表达的情绪和特质。例如红色代表自由奔放，蓝色代表包容温和、紫色代表神秘高贵等。合理搭配服装颜色，不仅能够激发出观众的情感，而且能够牢牢地吸引住观众的视线。色彩渲染了舞台的情感气氛，也创造出了各种类型的舞台角色，因此，在舞台的服装设计中，色彩的运用是非常重要的，设计师应该考虑到舞台剧本的内容和主题，并能通过不同的色彩表达来让观众明确区分不同人物的身份地位、生活习惯等基本资料。在运用色彩搭配服装时，设计师还应该注意色调与舞台布景的融洽性，不仅要均衡配色，而且要大胆地使用色彩创造线条给观众营造出强烈的视觉效果。如在舞台剧《智取威虎山》中，设计师就将暗色调和亮色调配合在一起使用，来表现主人公神勇的英雄形象，色调的合理搭配使演员在表演过程中富有了节奏感，也使服装和演员达到了一个贴合的效果。

4、灯光色彩的运用

随着时代的进步和科技的快速发展，人们的审美需求也在不断的提高。在舞台表演艺术中，人们更希望欣赏到一些具有个性特色的灯光设计，在合理的灯光色彩运用下，观众的审美情感也能够获得一定程度的升华，所以，灯光色彩运用得好坏是舞美设计能否达到最佳艺术效果的重要标准。对于灯光师来说，灯光色调的强弱关系到了对舞台总体色彩的把握程度。柔和的光线可用来处理浪漫的舞台气氛，强烈的光线则可用来烘托紧张激烈的氛围。灯光色彩能够给人以美的享受，可赋予表演者极大的表现力，也给观众带来了好的心理体验。当前，灯光色彩的运用已经逐渐成为了舞台演出的常用技巧之一，色彩需要灯光的照亮，灯光也需要色彩的烘托，只有二者相互配合才能使舞台表演达到完美效果。对于色彩来说，邻近色彩的相似性容易影响到舞台表演，因为色调相近的色彩往往容易杂糅到一起，从而使表达目的变得模糊，界限变得不清晰。因此灯光师在设计灯光色彩时，不仅要注意色调的搭配，也要注意色调的变化，不同的灯光色彩能反映出不同时代的背景。例如一幕舞台剧中若需要体现新时代，就会大量使用类似于红色这种热烈奔放的颜色；而要演绎旧时代，通常就会使用青色这一类的暗色调来表现。除此之外，不同的灯光色彩也能够表现出不同的季节，如绿色代表着春天，黄色象征着秋天等。在现如今的舞台表演艺术中，已经有越来越多的灯光师喜欢用各种灯光色彩来体现和表达剧中人物的情感变化，所以，灯光色彩在舞美设计中的作用已经不可或缺，其强大的表现力，也使得舞台美术设计理念得到了更好地表达。

三、结语

对于舞台美术设计来说，色彩运用的重要性不言自喻。其不仅能够在舞台上给观众提供一个直白的视觉感受，同时也赋予了舞台浓重的艺术特色，使舞台美术设计具有了丰富的艺术美感。色彩在渲染舞台气氛和突出表现人物形象时，通常能够起到推波助澜的巨大作用，因此，只有正确、合理地运用了色彩，才能使舞台的艺术设计达到最佳效果，给观众带来不同的审美感受。